好的电影，你压根不会有时间的概念。它是一种飞翔，也是一种沉醉。结束，幕落，你方悚然而惊，怅然若失，不情愿地回到现实之中。

　　《梅兰芳》，148分钟。看得很累。

　　邱如白要承担的东西太多

　　有人表扬孙红雷扮演的邱如白，一身是戏。有人批评他演得太过。第一次看梅兰芳演戏震惊赞叹中魔之后，邱在梅的一生中充当了追随者、知己、兄弟、编剧、策划、管家等等的作用。痴情，热烈，奉献，霸道——丰富而夸张的表情轮番在孙红雷的脸部出现，浓烈得足以砸醒一切的感情白痴。够有表现力！够才气！看戏的累，可能也是由此造成。

　　邱如白要承担的东西太多，他当然是故事片中梅兰芳的情深知己，他也是编剧不时要跳出来告诉观众梅兰芳价值的解说员，他同时还是导演要直抒胸臆过一把瘾的情绪代体。“谁要是毁了梅兰芳的那一份孤单，谁就毁了梅兰芳。”——这句深刻的“点题”之语，是必定要声情并茂吟诵而出。聪明痴情的邱如白嘻笑怒骂，呈现类似小丑一样丰富怪诞的表情，他时而要入戏时而要出戏。当观众走进他与梅兰芳的情谊，接下来的几句念白马上令你产生“间离效果”。

　　平庸者对一个超越者的臆想

　　《梅兰芳》的戏是三段式的。少年梅兰芳与老生十三燕的打擂台，梅兰芳脱颖而出走向新时代。一个是后生辈，一个是爷爷辈。擂台的结果是以十三燕的败与死告终。旧式艺人的戏骨，死与生的对衬，在一对戏档的故事里，导演要完成那么重大的设想，场面够冲突够戏剧够悲壮够鼓舞，但是明知道爷爷在最后的比拼中会送命，而少年梅兰芳仍平静参与，那样的设计，是否与主人公一生温和谦虚典雅的性格有着很大的相悖？

　　不是只有对立的戏才能有所烘托。人为的对立是简单粗暴而俗套的。当我们看到十三燕的玉手镯送给梅兰芳的新婚妻而自己悄然逝去，真不知道那是一种什么感觉，应该是一种什么感觉。

　　第二段戏，就是媒体喧哗的“梅孟之恋”。在七情上脸的孙红雷的反衬下，黎明的温和舒缓倒成就一种低调的优雅。他不用拼命去“演”，清清淡淡便也得了与人物大体轮廓的近似。章子怡在银幕上够青春够靓丽，问题是，这两人怎么看着都似乎不来电的样子。直到36分钟的戏接近结束，离别前，孟小冬的一句“畹华，不怕！”让人的心起了一点波澜。是每个人对“离别”的特殊敏感，也因为这句台词里有着某种情深——恋爱中的女人都有着深刻的本能的母性。

　　但是，还有一种情感在抵触这一声“畹华，不怕！”——不愿意看到中年的典雅的梅兰芳需要一个过于年轻的女子的鼓励。导演显然要调动起观众对梅兰芳既赞叹又悲悯的感情——为了大师人生中的种种不自由。所谓的孤单，身世的，心里的，还有爱不能得的失落惆怅。那是我们这些平庸的人臆想一个超越的人的再一次平庸。悲悯，那样一种高智商的境界真是不能随便发挥的。

　　看梅兰芳先生的照片，总是震撼他那一双举世无双的眼睛。那一见难忘的眼神，平静而镇定，温和而清冷，那是与现实、日常、尘嚣隔着距离的眼神。梅先生的唱、演以及人生，除了庄重典雅，还应该有着飘逸之美，他是有着自己完整而独立的精神世界的。这飘逸之美是很难容自上而下的“悲悯”去解说的——那太自以为是了。“梅孟之恋”最终成了“第三者插足不成”的平庸段落。东方式的自怜甚至自虐是一种格局小的东西，那种风格的煽情也许能在通俗的层面上多赢得大众呼应，也许更讨西方人的喜。

　　对于那种“因爱分离，干净得只有一个拥抱”的我们过于熟悉的东西，再由熟悉的明星来演，那个效果也就可想而知了。换两个陌生的演员或许还没有这样“双重做秀”的感觉。但明星，是这部大片打的一张得意之牌。

　　京剧唱段 最使人激动

　　第三段，“蓄须明志”的重头戏。日本鬼子凶恶的嘴脸，刺刀，牢狱——这些似曾相识的镜头扑面而来的时候，不知说什么好。想象力的平庸与有限。据说梅兰芳与日本军队并无正面冲撞。看资料得知，8年抗战，梅先生不演戏，生活开支上是需要卖东西的。这样一种坚韧，这样一种坚守，是如何使人肃然起敬啊！有面对刺刀的英雄，也有坚贞八年微笑而不屈的雅士。有一种风骨，能站在时代之先，也能始终超越时代，具飘逸之美的人好似半人半仙。

　　电影《梅兰芳》，最使人激动的，是那些京剧的唱段。梅葆玖幕后配音的《樊江关》、《女起解》、《黛玉葬花》、《游龙戏凤》、《一缕麻》等，以及王珮瑜、张克配唱的老生段子。再现京剧的美和好是影片的贡献。而《梅兰芳》，只是《梅兰芳》剧组演绎的梅兰芳。大师的真实与境界永远高高矗立在那里，能够解释与不能解释将永远是一种丰厚的存在。(来源：新加坡《联合早报》；文/南妮)